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BAUHAUSSTORY - Une excursion dans l'histoire du Bauhaus

Sur l’insistance des milieux conservateurs, les fonds destinés au Bauhaus ont été réduits de manière si radicale en 1924 qu’il a fallu chercher un nouveau lieu d’action. Avec le déménagement à Dessau, dans une phase de reprise économique, le Bauhaus est devenu une institution de design municipale. Presque tous les maîtres ont déménagé à Dessau. D’anciens étudiants ont repris la gestion d’ateliers sous le nom de Jungmeister. De 1926 à 1932, Dessau produisit de célèbres œuvres d’art et d’architecture, ainsi que des designs influents. Attiré par les luttes incessantes pour la survie du Bauhaus, Walter Gropius démissionna de ses fonctions de directeur le 1er avril 1928. Son successeur fut l’architecte suisse Hannes Meyer (1889-1954). Son travail visait un «projet de société harmonieux». En se concentrant sur une production industrielle de masse rentable, les produits devraient être abordables pour de larges couches de la population. En dépit de ses succès, l’orientation marxiste de Hannes Meyer devint un problème pour les pères de la ville dans la situation politique intérieure aigüe à partir de 1929. Il fut congédié en 1930. Sous Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), le Bauhaus se développa de 1930 à une sorte d’école technique d’architecture avec des départements d’art et d’ateliers zuarbeitenden. Après la victoire électorale des nationaux-socialistes, le Bauhaus est expulsé de Dessau en septembre 1932. À Berlin, où l’école a été déplacée, il n’y a eu qu’une courte période de nouveaux commencements. En 1933, sous la pression des nationaux-socialistes, l’auto-dissolution du Bauhaus eut lieu.

Harry Bertoia Mieux connu en tant que sculpteur et designer de meubles, Harry Bertoia est né à San Lorenzo, Udine, en Italie. En 1928, il commença à suivre des cours de dessin en Italie avant d’immigrer d’abord au Canada, puis à Détroit en 1930. Il reçut une bourse d’études à l’école de la Société d’art et d’artisanat de Détroit en 1936 et, un an plus tard, se vit décerner une bourse d’enseignement au Cranbrook. Académie des arts à Bloomfield Hills, Michigan. Là, il a enseigné le travail des métaux de 1937 à 1942, puis les graphismes pendant un an. En 1943, Bertoia s’installa à Los Angeles pour travailler comme designer de meubles. Il suivit également des cours de soudure au collège municipal de Santa Monica et, en 1947, créa ses premières sculptures soudées. Au cours de cette période, Bertoia devint citoyen américain. Son employeur, Knoll Associates, a présenté la collection de meubles Bertoia en 1952. L’année suivante, il a reçu sa première commande pour une sculpture à grande échelle pour le centre technique General Motors à Warren, dans le Michigan.

Marcel Breuer Breuer, Marcel, architecte, designer et enseignant américano-hongrois, qui a contribué à établir les principes fonctionnalistes sous-tendant le style international. Breuer est né à Pécs, en Hongrie, et a étudié à l’école de design Bauhaus de Weimar, en Allemagne. Il a pratiqué l’architecture à Berlin jusqu’à la montée du parti nazi. En 1933, il s’est enfui en Angleterre, puis aux États-Unis en 1937. Il y a contribué au développement de la très influente School of Architecture de l’Université de Harvard. Au cours des années 1950 et 1960, Breuer conçut un certain nombre de bâtiments importants aux États-Unis et en Europe. Ses bâtiments sont généralement composés de blocs sévères en pierre brute non finie ou en béton et en bois.

Edouard-Wilfrid Buquet À 16h29 le 9 février 1927, Eduard-Wilfrid Buquet dépose son brevet pour des pièces de cette lampe, notamment les joints souples, au ministère du Commerce et de l’Industrie à Paris. Diverses versions ont été produites jusqu’en 1940. Bien que l’on sache peu de choses sur Buquet, nous savons qu’il a lui-même fabriqué cette lampe et l’a probablement conçue également. Nous avons dû modifier certains détails pour des raisons techniques, à savoir l’intérieur des joints flexibles et le support, qui était en bois. Étant donné que le petit réflecteur ne prend qu’un petit support, nous avons équipé la lampe avec une lampe halogène de 50 Watt. Le transformateur est logé dans le support, qui est donc en métal. Pratiquement toutes les pièces doivent être faites à la main.

Pierre Chareau L’architecte et designer français Pierre Chareau a été remarqué pour la première fois par le travail qu’il a exposé au Salon d’automne et à la Société des artistes décorateurs après la Première Guerre mondiale. Il a contribué à l’étude de l’ambassade de France à l’exposition de Paris 1925 et a ensuite partagé son temps entre la conception de meubles et les travaux d’architecture, notamment le club de golf de Beauvallon (1927), l’intérieur du Grand Hôtel de Tours (1929) et sa Maison de Verre. (1928-31), ainsi nommée en raison d’une utilisation novatrice des carreaux de verre à l’extérieur. Il a été membre de l’Union des Artistes Modernes depuis sa création en 1930. Ses conceptions de chaises du début des années 1920 témoignent d’une préférence pour les formes arrondies amples non décorées, exécutées dans des bois hautement polis – acajou, noyer, chêne, frêne ou érable – avec de riches tapisserie.

Le Corbusier En 1887, Le Corbusier est né sous le nom de Charles-Edouard Jeanneret à La Chaux-de-Fonds (Suisse). Il est allé dans une école d’art pour devenir graveur de montres dans ce centre de l’industrie horlogère suisse. Cependant, son professeur, L’Eplattenier, le persuada de devenir architecte. Après avoir eu des problèmes avec Schwob, il décida de quitter la Suisse pour la France et adopta le nom de Le Corbusier. Il a juré de ne jamais revenir en Suisse. Après la Première Guerre mondiale, il changea totalement de style pour aider à bâtir la France. C’est là qu’il a mis au point la nouvelle méthode de construction qu’il a baptisée «Plan Libre». Il s’est accordé une certaine liberté lorsqu’il a conçu Ronchamp en 1950.

Charles Eames Eames, Charles (1907-1978), architecte et designer américain, surtout connu pour ses conceptions majeures pour les chaises. Il étudie l’architecture auprès d’Eliel Saarinen et, en 1940, collabore avec Eero Saarinen pour concevoir une chaise qui remporte le premier prix du concours de mobilier organique sponsorisé par le Museum of Modern Art de New York. Cette chaise, avec une coque en contreplaqué moulé, un rembourrage en caoutchouc mousse et des joints innovants soudés à la soudure en caoutchouc, s’est malheureusement révélée trop chère pour une fabrication en série, mais Eames a poursuivi son objectif de créer un design artistiquement valable qui puisse également être produit en masse. techniques de production. En collaboration avec son épouse, Ray (Kaiser) Eames, il réussit en 1946 avec une chaise simple et élégante composée d’un dossier et d’un siège en contreplaqué moulé, montée sur un cadre en métal tubulaire. Cette conception est devenue le prototype de la plupart des sièges de série fabriqués en série dans les années 50 et 60.

Mariano Fortuny Mariano Fortuny y Madrazo (11 mai 1871 – 3 mai 1949), fils du peintre Mariano Fortuny y Marsal, était un couturier espagnol qui ouvrit sa maison de couture en 1906 et le poursuivit jusqu’en 1946. «Madame Condé Nast portant l’une des célèbres robes de thé Fortuny. Celui-ci n’a pas de tunique mais est finement plissé, à la manière de Fortuny, et tombe en longues lignes, suivant de près la silhouette, jusqu’au sol. »Fortuny est née dans une famille d’artistes à Grenade, en Espagne. Son père, un peintre de genre, est mort quand Fortuny avait trois ans et sa mère, fille d’un autre peintre célèbre, Raimundo de Madrazo y Garreta, a déménagé sa famille à Paris, en France. Il est devenu évident dès son jeune âge que Fortuny était un artiste talentueux, lui aussi qui montrait un talent pour la peinture. La famille déménage à nouveau en 1889 à Venise. Jeune homme, Fortuny a parcouru l’Europe à la recherche d’artistes qu’il admirait, parmi lesquels le compositeur allemand Richard Wagner. Fortuny a développé des talents très variés, dont la peinture, la photographie, la sculpture, l’architecture, la gravure à l’eau-forte et même l’éclairage de scène théâtral. En 1897, il rencontre la femme avec laquelle il épousera, Henriette Negrin, à Paris. Il est décédé chez lui à Venise et a été enterré à Campo Verano à Rome. Son travail a été une source d’inspiration pour le romancier français Marcel Proust.

Eileen Gray Le 9 août 1878, Eileen Gray est née à Enniscorthy, une petite ville commerçante du sud-est de l’Irlande, au sein d’une famille aristocratique, et y passa son enfance. Jeune adulte, afin de développer ses sensibilités artistiques, elle entre à la Slade School of Fine Arts de Londres et s’installe de là à Paris où elle passera l’essentiel de sa vie professionnelle. Paris au début du siècle était un haut lieu de la création pour les artistes visuels et de la performance, les écrivains, les scientifiques et les philosophes. Elle était étonnamment élégante en apparence avec une haute taille et des cheveux auburn. Des photos d’elle prises à la fin de l’adolescence et au début de la vingtaine la montrent vêtue d’un style victorien avec d’épaisses tresses de cheveux noirs sur la tête. Dans ces images, elle semble être une jeune femme timide et légèrement triste, avec une pointe de dédain dans son expression, ce qui était peut-être la mode à l’époque pour les jeunes de sa classe. Plus tard, dans une photographie de Berenice Abbott datant de 1926, elle apparaît comme une femme forte, sophistiquée, avec beaucoup de style, un peu maniaque peut-être – une tendance parmi le décor bohème de l’époque – mais avec beaucoup de beauté féminine.

René Herbst Il est né à Paris où il a terminé ses études. en 1908, il commence à collaborer avec divers studios d’architecture, d’abord à Paris, puis à Londres et à Francfort. En 1921, il fait ses débuts au «Salon d’Automne» où il présente «un coin reposant» au musée de Crillon. Par la suite, en plus d’exposer ses meubles innovants en tubes métalliques dans différents salons, il réalise de nombreux projets architecturaux: cinéma, décoration de magasins, restaurants, bureaux et galeries. Déjà en 1919, Herbst poursuit sa route vers le design moderne en s’occupant de meubles en métal, de vitrines et d’éclairages intérieurs. En ce qui concerne ses créations de meubles en métal, on peut reconnaître sa maturation complète en 1926 dans la conception rigoureuse et fonctionnelle de ses modèles en métal nickelé.

Josef Hoffmann Josef Hoffmann est né en 1870 à Pirnitz, en Moravie (aujourd’hui la Tchécoslovaquie). Il étudie l’architecture à l’Académie des beaux-arts de Vienne, sous la direction de Carl von Hasenauer et Otto Wagner, dont les théories d’une architecture moderne et fonctionnelle affectent profondément ses travaux architecturaux. Il a remporté le prix de Rome en 1895 et l’année suivante, il a rejoint le bureau de Wagner. Hoffmann fonda son propre bureau en 1898 et enseigna à la Kunstgewerbeschule de Vienne de 1899 à 1936. Il fut l’un des membres fondateurs de la Vienna Secession, un groupe d’artistes et d’architectes révolutionnaires. Il a activement soutenu le groupe en concevant ses expositions et en écrivant pour le magazine Ver Sacrum. En 1903, il participa à la fondation de la Wiener Werkstätte. Bien que les premières œuvres de Hoffmann appartiennent à une tangente sécessionniste de l’Art nouveau, ses œuvres ultérieures ont introduit un vocabulaire de grilles et de carrés réguliers. La clarté fonctionnelle et la pureté abstraite de ses œuvres ultérieures le désignent comme un important précurseur du mouvement moderne. Architecte et designer hautement individualiste, le travail de Hoffman associe la simplicité de la fabrication artisanale à un ornement esthétique raffiné. Il est mort à Vienne en 1956.

Karl Jacob Jucker Karl Jacob Jucker Zurich 1902 – 1997 Orfèvre de Schaffhouse Achèvement d’un orfèvre à la Haute école d’art de Zurich 1922. Au Bauhaus de 1922 à 1923: cours préliminaire à Muche, formation dans l’atelier de métallurgie. Plus tard, dans une fabrique d’argenterie de designer suisse et professeur dans une école professionnelle.

Charles Mackintosh Charles Rennie Mackintosh est né à Glasgow, en Écosse, en 1868. En 1884, il commença un apprentissage chez John Hutchinson et commença à suivre des cours du soir à la Glasgow School of Art. En 1889, il devint assistant en architecture chez Honeyman & Keppie. Il s’est également inscrit à la Glasgow School of Art. En 1890, il obtint une bourse de voyage et fit une tournée en Italie avant de s’installer. Pendant qu’il était inscrit à la Glasgow School of Art, Mackintosh développa une relation artistique avec Margaret MacDonald, Frances Macdonald et Herbert McNair. Connus sous le nom de «The Four», ils ont exposé des affiches, du mobilier et divers motifs graphiques à Glasgow, Londres, Vienne et Turin. Ces expositions ont contribué à asseoir la réputation de Mackintosh. Avec une philosophie de conception solidement ancrée dans la tradition écossaise, Mackintosh n’a pas tenu compte de l’architecture de la Grèce et de Rome, qui n’était pas adaptée au climat ou aux besoins de l’Ecosse. Il estimait qu’une renaissance du style baronnais écossais, adaptée à la société moderne, répondrait aux besoins contemporains.

George Nelson George Nelson (1908-1986) est un moderniste pionnier qui se classe aux côtés de Raymond Loewy, Charles Eames et Eliot Noyes comme l’un des meilleurs designers américains. Le bureau de Nelson a produit certaines des pièces de dessin industriel canoniques du vingtième siècle, dont beaucoup sont encore en production: l’horloge à billes, la lampe à bulles, le canapé à élingues. Nelson a également apporté une contribution majeure au mur de stockage, au centre commercial, à la présentation multimédia et au système de bureau à aire ouverte. L’auteur de cette biographie définitive a eu accès aux archives de Nelson et à ses documents personnels. Il a également interrogé plus de 70 amis, collègues, employés et clients de Nelson (dont le regretté D. J. De Pree, ancien directeur de la Herman Miller Furniture Company et mécène en chef de Nelson) et a obtenu de nombreuses images inédites d’archives privées et d’entreprises. Toute la gamme des travaux de Nelson est représentée, depuis la conception des produits et du mobilier jusqu’aux emballages et graphiques, en passant par les projets de grande envergure tels que la maison Fairchild et l’exposition nationale américaine de 1959 à Moscou. Parce que Nelson était un penseur sérieux et original sur les questions de design, Abercrombie cite abondamment ses écrits publiés et non publiés, offrant ainsi un nouveau matériel provocant aux étudiants en théorie du design et en philosophie.

Isamu Noguchi 1904 Né le 17 novembre à Los Angeles. 1906 Famille déménage au Japon. 1918-22 Revient seul aux États-Unis pour aller à l’école à Rolling Prairie, dans l’Illinois. Après l’obtention du diplôme, il est stagiaire au studio de sculpture de Gutzon Borglum 1923 Déménage à New York. Inscrit au programme prémédical de l’Université Columbia. 1924 Étudie la sculpture à la Leonardo da Vinci Art School de New York. 1927-1928 Reçoit la bourse de la fondation John Simon Guggenheim Memorial. Voyage à Paris où il travaille comme assistant de Brancusi et étudie le dessin à l’Académie Grande Chaumière et à l’Académie Collarosi. 1929 Première exposition personnelle à la Eugene Schoen Gallery, New York. 1930-1931 Étudie le dessin au pinceau avec Chi Pai-shih à Beijing et la sculpture sur argile avec Jinmatsu Uno à Kyoto. 1935 Crée le premier de nombreux décors pour Martha Graham. 1938 Remporte un concours et crée une sculpture en relief pour l’entrée du bâtiment de l’Associated Press au Rockefeller Center, à New York. 1951 commence à concevoir des lampes akari. 1956 Dessine des jardins à l’UNESCO à Paris. 1968 Rétrospective au musée d’art américain Whitney à New York. 1974 Participe au spectacle Masters of Modern Sculpture présenté au musée Solomon R. Guggenheim de New York. 1985 Ouverture au public du musée du jardin Isamu Noguchi à Long Island City, dans l’État de New York. 1986 Représente les États-Unis à la Biennale de Venise. 1987 reçoit la médaille nationale des arts. 1988 décède le 30 décembre à New York.

Gyula Pap Gyula Pap (1899 – 1983) était l’un des artistes-artistes du Bauhaus. Il est ensuite devenu enseignant et le Bauhaus a eu une grande influence sur toute sa vie. Les photographies en noir et blanc, les peintures originales, les tissus et les ouvrages en métal présentés proviennent du collectionneur Dr. Friedrich Hellersberg, Heppenheim près de Francfort, en Allemagne. L’exposition a été prêtée par Andrea Hassan, qui a étudié à l’Université Bauhaus de Weimar et réside à Dubaï depuis près de 25 ans. En tant que médiatrice entre les cultures, elle a amené cette exposition ici pour sensibiliser le public au Bauhaus. « Si rien d’autre, l’horizon de Dubaï ne se serait jamais développé sans les principes du Bauhaus, » observe-t-elle.

Gerrit Thomas Rietveld Gerrit Thomas Rietveld est né à Utrecht, aux Pays-Bas, en 1888. Après avoir travaillé dans la menuiserie de son père, il a été apprenti dans un atelier de bijouterie. En 1911, il créa sa propre entreprise d’ébénisterie qu’il conserva pendant huit ans. Dans cette même période, il a étudié l’architecture. Au cours de ses études, il a rencontré plusieurs fondateurs de De Stijl. En 1917, Rietveld conçut la chaise rouge bleue, qui marquait un changement radical dans la théorie de l’architecture. Ses meubles inhabituels ont conduit à plusieurs commandes de logements qu’il a invariablement conçues dans un style néo-plastique. Les conceptions utilisaient l’utilisation libre et variable de l’espace et témoignaient d’une profonde compréhension des idées spatiales dynamiques. À la fin des années 1920, l’architecture néerlandaise était axée sur l’idée de «dématérialisation». Cette idée a influencé une série de maisons en terrasse avec lesquelles Rietveld était impliqué. En 1928, Rietveld fut membre fondateur du CIAM. À quelques exceptions près, les années 1930 et 1940 ne furent pas particulièrement productives pour Rietveld. Entre 1942 et 1948, Rietveld a enseigné dans plusieurs institutions aux Pays-Bas. En 1963, il est élu membre honoraire du Bond van Nederlandse Architecten et en 1964, il obtient un diplôme honorifique de la Technische Hochschule de Delft. Rietveld est décédé à Utrecht en 1964.

Mies van der Rohe Ludwig Mies Van der Rohe est né à Aix-la-Chapelle, en Allemagne, en 1886. Il a travaillé dans l’entreprise familiale de taille de pierre avant de rejoindre le bureau de Bruno Paul à Berlin. Il entra dans l’atelier de Peter Behrens en 1908 et y demeura jusqu’en 1912. Sous l’influence de Behrens, Mies développa une approche de la conception basée sur des techniques structurelles avancées et le classicisme prussien. Il a également développé une sympathie pour les credos esthétiques du constructivisme russe et du groupe néerlandais De Stijl. Il a emprunté la construction de poteaux et de linteaux de Karl Friedrich Schinkel pour ses créations en acier et en verre. Mies a travaillé pour le magazine G, qui a débuté en juillet 1923. Il a grandement contribué aux philosophies architecturales de la fin des années 1920 et des années 1930 en tant que directeur artistique du projet Weissenhof, parrainé par Werkbund, et en tant que directeur du Bauhaus. Célèbre pour son dicton «Less is More», Mies a tenté de créer des espaces neutres et contemplatifs à travers une architecture basée sur l’honnêteté matérielle et l’intégrité structurelle. Au cours des vingt dernières années de sa vie, Mies a réalisé sa vision d’une architecture monumentale «peau et os». Ses œuvres ultérieures constituent un dénouement approprié à une vie consacrée à l’idée d’une architecture universelle simplifiée. Mies est décédé à Chicago, dans l’Illinois en 1969.

Eero Saarinen Eero Saarinen est né à Kirkkonummi, en Finlande, en 1910. Il a étudié à Paris et à l’Université de Yale, après quoi il a rejoint le cabinet de son père. Eero a d’abord poursuivi la sculpture comme son art de prédilection. Après une année à l’école d’art, il a décidé de devenir architecte. Une grande partie de son travail montre un rapport à la sculpture. Saarinen a développé une gamme remarquable qui dépend de la couleur, de la forme et des matériaux. Saarinen a montré une forte dépendance vis-à-vis de structures innovantes et de formes sculpturales, mais pas au détriment de considérations pragmatiques. Il a facilement fait la navette entre le style international et l’expressionnisme, utilisant un vocabulaire de courbes et de formes en porte-à-faux. Saarinen est décédé à Ann Arbor, Michigan, en 1961.

Mart Stam Mart Stam est un architecte, planificateur et designer (en particulier des chaises). Néerlandais. Stamréussit Mart sera présent à des moments importants de l’histoire de l’architecture du XXe siècle. Mart Stam a étudié à la Royal School of Higher Studies à Amsterdam. À Zurich en 1923, c’était à l’origine le magazine ABC Beiträge zum Bauen (la contribution de ABC au bâtiment) avec l’architecte Hans Schmidt, Hannes Meyer et futur directeur du Bauhaus et d’El Lissitzky. Après avoir déménagé à Berlin, a conçu une chaise Stam en tube d’acier cantilever utilisant des tuyaux et des tuyaux de gaz reliant le standard. Ludwig Mies van der Rohe a lu le travail de Stam sur la création de chaises dans le design de Weissenhofsiedlung et réalisé par Marcel Breuer du Bauhaus. Cela a immédiatement amené les deux créateurs, ainsi que Mies Breuer, à une variation sur le thème de la chaise en porte-à-faux tubulaire. Cela donne une mort à Mart Stam en terme d’influence sur ses contemporains. À la fin des années 20, Breuer et Stam se présentèrent devant les tribunaux allemands, chacun pensant être l’inventeur du principe de base de la chaise en porte-à-faux. Stam a gagné, et à partir de ce moment, certaines parties spécifiques de Breuer sont faussement attribuées à Stam. La participation de Stam au projet a créé une résidence permanente en 1927 pour l’exposition «Die Wohnung» (Habitat) à Stuttgart.

Philippe Starck Philippe Starck est une légende. Un mélange extraordinaire de popstar, inventeur fou et philosophe romantique. Son travail est omniprésent: des hôtels chics de New York au catalogue de 4900, – FF, des salons privés d’un président français au plus grand centre de traitement des déchets, de centaines de milliers de chaises et de lampes dans des bars et des appartements du monde entier. monde aux brosses à dents dans les salles de bain.

Frank Lloyd Wright Frank Lloyd Wright est né à Richland Center, dans le Wisconsin en 1867. Il s’installa avec sa famille à Madison, dans le Wisconsin en 1877. Il fit ses études à la Second Ward School, à Madison de 1879 à 1883. Après une brève attaque à l’Université du Wisconsin, il A pris des cours de dessin mécanique et de mathématiques de base, Wright partit pour Chicago où il passa plusieurs mois dans le bureau de JL Silsbee avant de chercher un emploi chez Adler et Sullivan. Wright a développé un nouveau concept d’espace intérieur en architecture. Rejetant la vue existante des pièces sous forme de boîtes à une seule fonction, Wright a créé des pièces superposées et interpénétrées avec des espaces partagés. Il a désigné les zones d’utilisation avec des dispositifs de protection et de légères modifications de la hauteur du plafond et a créé l’idée d’un espace défini par opposition à un espace clos. Après expérimentation, Wright développa l’idée de la maison des Prairies – un bâtiment long et bas avec des avions en vol stationnaire et un accent horizontal. Il développa ces maisons autour du crucifix de base, en forme de L ou de T et utilisa un système d’organisation de base. Il a intégré des matériaux simples tels que la brique, le bois et le plâtre dans les dessins. En 1914, Wright perdit sa femme et plusieurs membres de sa famille lorsqu’un employé incendié Taliesin, sa maison et son atelier dans le Wisconsin.

Anonimo Fondé à Weimar (Allemagne) en 1919, le Bauhaus était une importante école de design axée sur les arts appliqués. Son fondateur, Walter Gropius, était un architecte moderne influent, puis enseignant et directeur à l’école Bauhaus. En plus d’influencer l’architecture moderne, l’art et le graphisme, l’école du Bauhaus a largement contribué à la conception de meubles du début du XXe siècle. L’école Bauhaus a fondé sa philosophie de conception sur les principes selon lesquels la conception devrait être adaptée aux besoins de la société et qu’elle devrait utiliser des technologies et des matériaux modernes pour répondre aux besoins des consommateurs à moindre coût. L’école du Bauhaus a évité ce qu’elle considérait comme des détails décoratifs «bourgeois» et a préféré promouvoir des produits de consommation fonctionnels et peu coûteux, où la forme suit la fonction et où moins est plus. Cette philosophie a abouti à un design épuré, simple et moderne.